miércoles, 19 de octubre de 2011

Dibujando en el Aire

Dibujando en el Aire
Vamos a aprender a dibujar con un ejercicio muy sencillo que nos ayudará a mejorar nuestra observación. A ver todos, lápiz en mano, y elijan un objeto que esté a su alcance. En mi escritorio tengo un muñequito de Pikachu, así que ese será mi objeto. ¿Listos?

Ahora, cierra un ojo y, con el lápiz, traza una línea imaginaria del contorno del objeto, como si lo calcaras en el aire.

Prueba hacer esto con otros cinco objetos que tengas cerca. Busca algún objeto interesante como un tenedor, una silla, tu mascota o, si no tienes nada interesante cerca, prueba delinear tu mano extendida, luego tu puño, etc.
Puedes practicar esto donde sea, no importa que no tengas un lápiz a la mano. Cierra un ojo, usa un dedo y ¡a dibujar en el aire!

¿Pero para qué sirve este ejercicio?
Este ejercicio es muy útil para mejorar nuestra capacidad de observación. Al delinear el objeto de esta manera tenemos que prestar atención a la forma del objeto, dónde empieza una línea, cómo cambia de dirección, etc.
Daryl Reiner escribió, "Dibujar es la parte fácil, la parte difícil es entender lo que está ahí." El inicio de ese entendimiento es la observación de los detalles que nos rodean.

Jaime G. Wong es el creador de Artistica. Cristiano, programador de aplicaciones web y amante de la pizza. Entre sus muchos pasatiempos está el dibujo. Puedes ver sus ilustraciones e historietas en Retrazos. Para mayor información, visita su Página Web personal.
· · · 14 de octubre a las 15:43


  • Lo básico para dibujar
    La meta de Artística es enseñar diversos aspectos básicos para aprender a dibujar. Como primer paso necesitaremos tener en nuestras manos las herramientas adecuadas. No necesitamos cosas extraordinarias para empezar.

    El material es muy sencillo y baratísimo:

    Papel - ¡Obvio! De preferencia papel bond blanco, sin rayas ni cuadriculado. Compra todo el papel que puedas.
    Lápiz y sacapunta - Cualquier lápiz decente sirve. Si vas a comprar uno nuevo, pide en tu librería un lápiz de dureza “HB.”
    Borrador - Mi preferencia personal son los borradores de plástico.
    Debo confesar que yo uso portaminas en lugar de lápiz. No es necesario que compres uno, un lápiz hará igual de bien. Es simplemente mi preferencia personal, ya que me cansa sacar la punta al lápiz y el portaminas siempre tiene la punta delgada.

    Sobre el borrador de plástico, si no puedes conseguir uno, no hay problema. Lo importante del borrador es que borre y que borre bien. Prueba hacer un borrado de prueba donde no hayas dibujado nada y si te deja manchas, es un mal borrador. No uses borradores destinados para lapicero porque malogran el papel. Tampoco uses el borrador que viene en la otra punta de los lápices. Son chicos y de baja calidad.

    Más adelante iremos comprando más herramientas para hacer posibles dibujos más avanzados.

    El Ingrediente Secreto
    Este es el requisito más importante para aprender a dibujar, así que presta atención. Lo más indispensable para lograr nuestra meta es perseverancia. Dibujar puede ser a veces frustrante, sobre todo cuando sabes que tu dibujo está mal o es incorrecto y no sabes el por qué. La diferencia entre la derrota y la victoria está en perseverar, seguir dibujando sin importar la cantidad de veces que te salga mal.

    Para aprender a dibujar, tienes que querer dibujar. Tienes que dibujar un montón. Cuando era niño solía dibujar tanto que en cierta ocasión me quedé sin cuadernos ni hojas y seguí dibujando en el marco de madera de mi ventana. ¡Eso es lo que se necesita! (eh, la pasión por el dibujo, no el arruinar marcos de ventanas)

    La mayoría de personas que dibujan admirablemente tienen un cuaderno de dibujo que llevan a todas partes. Cuando publican sus dibujos en internet no deja de sorprenderte la cantidad de dibujos que hacen, y es que dibujan en todos lados y a todo momento: en el tren, mientras esperan a alguien para almorzar, mientras ven televisión, etc.
  • ¡Vamos a esbozar!

    ¡Vamos a esbozar!
    Una práctica común entre artistas de todo rango, desde un historietista hasta un gran maestro como Leonardo da Vinci es el esbozo o, en inglés, "sketch." Un esbozo es un dibujo hecho rápidamente con el fin de estudiar o captar la forma de un sujeto. Da Vinci hacía cientos de esbozos en sus cuadernos donde figuran sujetos diversos como animales, personas y máquinas. Un esbozo no es un dibujo acabado y muchas veces contiene errores y varios intentos de líneas superpuestas.
    Esbozos de Leonardo da Vinci
    Uno de las claves más importantes para aprender a dibujar es, bueno, dibujar. Es como aprender a manejar bicicleta. Por más que desees manejar la bicicleta, por más que te sientes a leer artículos de seguridad vial o mirar catálogos de bicicletas, no ganarás más experiencia que subirte a la bici y pedalear.
    Del mismo modo, puedes pasarte horas de horas leyendo libros, comprando instrumentos de dibujo, deseando ardientemente aprender a dibujar... pero nada reemplaza a la experiencia que obtendrás cogiendo un lápiz, papel y dibujar, dibujar, dibujar.

    Aquí es donde entran los esbozos. Puedes empezar esbozando en base a algún dibujo que te guste, o una fotografía, o quizás un sujeto que tengas delante de tus ojos. Tienes que perder el miedo al "No me va a salir igual," "Esto es muy difícil." Todos tenemos miedo al principio de caernos de la bicicleta, pero no hay otra forma de perder el miedo más que limpiándose las rodillas y volver a pedalear. Eventualmente, empezarás a tener más confianza en tí mismo o en tí misma.
    Esbozos de SpiritRaptor
    Esbozos de Craig Mullins
    ¡Manos a la obra!
    Lo genial de dibujar es que puedes practicar en casi cualquier parte y situación. Puedes dibujar en la comodidad de tu casa, afuera en la calle mientras esperas a alguien, en un restaurante mientras esperas el servicio y un largo etcétera. No es raro encontrar dibujos de artistas que dibujan durante su viaje en el microbús o tren.
    Esbozos de Toñito Avalos
    ¡Vamos a empezar entonces! Teniendo en mente los ejercicios que hicimos anteriormente de observación, dibujar en el aire, etc. te doy los siguientes consejos:

    1. Empieza con trazos ligeros. Pasando suavemente el lápiz sobre el papel empieza dibujando líneas y formas muy generales del sujeto.

    2. Haz varios trazos de base y luego, más firmemente, haces un trazo más marcado. Me sucede muchas veces que no puedo dibujar una línea recta en el ángulo que quiero, por lo que lo intento varias veces de manera ligera y una vez que ya me sale hago el trazo definitivo usando los intentos como base.

    3. ¿Te salió mal? Déjalo y vuelve a intentarlo o intenta otra cosa. Esbozar debe ser divertido, no debes perder la paciencia ni mucho menos dejar que la frustración te haga dejar el papel. Hay veces que uno no se siente inspirado, como que dibujas y no te sale nada bien. Distráete un momento y vuelve a intentarlo.

    Muy bien, ahora vamos con un ejemplo.
    Ahora es tu turno. Ten mucha paciencia y... ¡adelante!

    ¿Qué es la imagen figurativa?

    ¿Qué es la imagen figurativa?

    2.Imágenes figurativas L A ILUSIÓN DEL ESPACIO Y LA MATERIA R EALISMO
    3.A través de una sutil combinación de luces y sombras, el pintor representa fielmente las características del satín del vestido, dándole un volumen y brillantez que semejan su apariencia real. T EXTURA Gerard ter Borch II, (holandés), Conversación galante , 1654, óleo sobre tela, Rijksmuseum, Ámsterdam.
    4.Imágenes figurativas V ESTIRSE DE FILIGRANAS R EALISMO Rembrandt van Rijn (holandés), Retrato de María Trip , 1639, óleo sobre tela, Rijksmuseum, Ámsterdam.
    5.Este retrato fue elaborado por el artista holandés del siglo XVII Rembrandt van Rijn. En él representa a María Trip a los 20 años, quien era hija de un rico comerciante. Los finos detalles de su atuendo nos hablan de su opulencia: perlas, seda y encaje, delicadamente modelados por la luz. T EXTURA
    6.Imágenes figurativas S ABOREAR LOS COLORES R EALISMO
    7.Dentro de la producción pictórica del guanajuatense Hermenegildo Bustos destaca este obra única, en la que retrata diferentes frutas y legumbres características de México. A través de un dibujo preciso y de una paleta de colores bien matizada, el pintor logra transmitirnos una sensación muy cercana a la realidad.
    Hermenegildo Bustos, (mexicano), Bodegón con frutas y alacrán , 1874, óleo sobre tela, Museo Nacional de Arte, D.F. Bustos busca la misma precisión de un ilustrador naturalista para captar la tersura, madurez y brillo de los frutos, ¿cuáles de ellos reconoces?, ¿cuáles te gustan más?
    8.Caspar David Friederich, (alemán), En un velero , después de 1820, óleo sobre tela, Museo del Hermitage, San Petesburgo.
    T ODO ES LUZ... Imágenes figurativas R EALISMO
    9.Esta pintura representa un hecho real en la vida del pintor Caspar David Friederich, el momento en que él y su esposa Carolina parten de viaje de luna de miel en un velero que los llevaría alrededor de Alemania. Para el artista este momento tuvo un hondo significado emocional que expresa en una composición visual muy original, ya que sitúa nuestra mirada a sus espaldas, con lo cual participamos plenamente de la escena.
    La luz del crepúsculo se filtra suavemente por las velas llegando hasta nosotros, creando una atmósfera altamente espiritual. Observa de qué modo la gama de tonalidades contribuye a crear este efecto.
    C OLOR
    10.Imágenes figurativas A DENTRO Y AFUERA R EALISMO
    11.Escher es conocido por sus singulares imágenes que combinan la realidad con la fantasía.
    La geometría fue una de las herramientas de composición que empleo este magistral dibujante para crear efectos ópticos inusuales.
    En esta escena, aparentemente cotidiana, vemos representados una serie de objetos personales situados en lo que semeja el interior de una habitación. Sin embargo, la imagen reflejada en el espejo nos hace repensar esto, ¿por qué?
    P ROPORCIÓN M.C. Escher, (holandés), Naturaleza muerta con espejo , 1934, litografía.
    12.Imágenes figurativas C ONTENSIÓN Y EXPRESIVIDAD R EALISMO
    13.Petrus Christus (neerlandés), Retrato de un Cartujo , óleo sobre tabla, siglo XV, Museo Metropolitano de Arte, N.Y.
    Petrus Christus, como muchos otros pintores neerlandeses de su época, cultivó una técnica muy refinada con la cual realizó obras de gran realismo. Aquí, retrata fielmente la expresividad de su modelo, un monje de la orden de los cartujos. Además, haciendo un juego visual, el pintor añadió al retrato un marco falso donde sitúa su firma y la fecha 1446. Sobre el borde inferior aparece posada una mosca, acaso una referencia simbólica a la tentación del demonio.
    14.E L BRÍO DE LA LÍNEA
    Imágenes figurativas R EALISMO
    15.Atribuido a Han Gan (chino), Blanco Resplandor Nocturno , siglo VIII, tinta sobre papel, Museo Metropolitano de Arte, N.Y.
    Han Gan fue un estimado pintor de la corte de la dinastía Tang (618-907). En este dibujo retrata a uno de los corceles predilectos del emperador Xuanzong, llamado Blanco Resplandor Nocturno. Las delicadas líneas y sombras de tinta le sirven para transmitir el poderío del animal, con sus ojos desorbitados y los ollares bien abiertos, en actitud de
    16.D EPURACIÓN DE LA FORMA Imágenes figurativas N O REALISMO
    17.Pablo Picasso, (español), El toro , 1945-46, litografía. En esta litografía, Picasso representa a uno de los animales más representativos de su obra, el toro. En 11 etapas sucesiva, el artista va haciendo una síntesis cada vez más estilizada de la figura del animal. Este proceso incluye la eliminación de los detalles, los medios tonos y la modificación de las proporciones hasta llegar a una representación semiabstracta, conformada sólo por líneas de contorno.
    18.F RAGMENTAR A PINCELADAS Imágenes figurativas N O REALISMO
    19.Piet Mondrian, (holandés), Árbol gris , 1912, óleo sobre tela, Gemeemtemuseum, La Haya. Mondrian fue uno de los pintores abstractos más importantes de la primera mitad del siglo XX. Esta obra de juventud pertenece a un periodo de transición de su obra, en la que las referencias directas a la realidad van desapareciendo.
    En una serie de pinturas monocromáticas que representan árboles, Mondrian experimenta con la descomposición de la forma. Aplicando pinceladas gruesas y pastosas crea una textura visual que divide la imagen en decenas de fragmentos. ¿Qué sensación te produce este efecto?

    20.C ROMATISMO EQUILIBRADO
    Imágenes figurativas Rufino Tamayo, (mexicano), Tehuanas , 1939, óleo sobre tela, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo N O REALISMO
    21.En la visión plástica de Tamayo conviven las referencias a la escultura prehispánica con la influencia del arte moderno, las cuales conforman las claves de su personal estilo.
    Tamayo era un extraordinario colorista. En esta obra, las figuras aparecen dibujadas de manera muy esquemática, con rasgos inexpresivos. Sin embargo, el equilibrado colorido de tonos vivos compensan la austeridad del trazo. ¡Qué crees que nos haya querido contar Tamayo?

    22.C OLORES Y ENSUEÑO Imágenes figurativas N O REALISMO
    23.Marc Chagall, (ruso), A Rusia, a unos y a otros , 1911, óleo sobre tela, Centro Georges Pompidou, París.
    Marc Chagall nació en Rusia, aunque pasó gran parte de su vida en París. De origen judío, en su obra abundan simbolismos que hacen referencia a las tradiciones de su pueblo, en las que la música, los animales y la religión tienen gran importancia. El estilo de dibujo de Chagall es desenfadado e intuitivo, le gusta jugar con la figuración, transformando la apariencia de las cosas gracias a su singular visión poética. Como si se tratara de un sueño, aquí representa a un campesino que vuela por encima de la sinagoga. Frente a él una vaca ¿con cuernos?, alimenta a su becerro y a una figura semejante a un niño. Hay muchos otras cosas raras en esta obra, obsérvalas e imagina su significado.
    24.Q UIETUD Y DINAMISMO
    Imágenes figurativas N O REALISMO
    25.Diego Rivera, (mexicano), Naturaleza muerta , 1913, óleo sobre tela, Museo del Hermitage, San Petesburgo.
    Aunque Diego Rivera es conocido sobre todo por sus murales, en su juventud abordó diversos estilos pictóricos. Primero el académico, después el impresionista y posteriormente el cubista. Sus obras de este periodo, en el que vivió en París, son extraordinarias. Aquí se muestra una de sus naturalezas muertas realizada en un estilo cubista. Fíjate en la perspectiva de los objetos y en cómo la base de la mesa se descompone en diferentes planos.
    26.D EFORMACIÓN CUBISTA
    Imágenes figurativas N O REALISMO
    27.Diego Rivera, (mexicano, No. 9 Naturaleza muerta española , 1915, óleo sobre tela, National Gallery, Washington D.C.
    En comparación con la pintura anterior, aquí podemos observar una mayor fragmentación de las figuras, lo cual que nos dificulta reconocerlas, además de que no hay perspectiva. Aquí se combinan diferentes planos y ángulos de visión en una misma imagen. Esta es una de las características más importantes del llamado cubismo sintético
    28.S OFISTICACIÓN DE LA FORMA Imágenes figurativas N O REALISMO
    29.Las revistas de modas de mediados del siglo XX sirvieron de escaparate a varios fotógrafos que revolucionaron no sólo la manera de presentar los productos, sino también la misma fotografía Uno de ellos fue Irving Penn creador de esta imagen de gran fuerza visual, en la juega con planos y contornos que se yuxtaponen gracias a la falta de profundidad de campo. Las siluetas de los modelos del fondo aparecen borrosas, mientras que la botella aparece en primer plano y en foco, esto contribuye a crear una imagen enigmática e interesante. Irving Penn, (norteamericano), Hombre encendiendo el cigarrillo de una dama , Nueva York, 1949 Plata sobre gelatina
    30.B ALANCE Y PROPORCIÓN
    Imágenes figurativas N O REALISMO
    31.Utagawa Hiroshige fue uno de los artistas más destacados del Japón del siglo XIX. Produjo toda su obra en la técnica tradicional de la estampa conocida como Ukiyo-E, en la que se retrata la vida de la sociedad nipona antes de que el país se abriera a Occidente.
    Esta escena destaca por su composición, ya que combina el delicado dibujo lineal que prescinde de cualquier detalle, tan característico del arte del Lejano Oriente, con un equilibrio de tonos fríos y cálidos. La representación del espacio es igualmente interesante, ya que las profundidad está sugerida por la superposición de las figuras y el juego de escalas.

    32.Secretaría de Educación Pública Programa de Artes visuales para secundaria. Material didáctico para el profesor Primer grado, bloque 2: ¿Qué es la imagen figurativa?
    Elaborado por: José Antonio Espinosa.

    mujeres pintoras

    MUJERES PINTORAS

    Sofonisba Anguissola (1532-1625)
    Nació en Cremona. Pintora italiana del renacimiento, especialista en retratos, contemporánea de Miguel Angel, quien fue su consejero. Ella desarrolla un estilo a manera de su maestro aportando una gran dosis de originalidad cuando realiza retratos. En ellos la aplicación de la luz a las escenas y personajes genera una textura muy propia, producto de la técnica singular que emplea.
    Esta pintora italiana fué la primera artista conocida en Europa por sus trabajos, y por ende, fue inspiración de muchas otras damas dedicadas a este arte, para que difundieran publicamente sus trabajos. En esa época la pintura era solamente practicada por los varones.
    Autorretrato
    Niños Attavanti

    Blanca Ponzoni

    Juego de Ajedrez
    Doble Retrato

    Médico de Cremona
    Anna Kirstine Brondum Ancher (1859-1935)
    Pintora danesa, nació en Rodena.

    Costura

    Almuerzo en el Jardín
    Maestra y Alumnos


    Pescadores

    Madre e Hijo

    Dama en la Cocina

    María Konstantinovna Bashkirtseva (1858-1884)
    Pintora de origen ruso, nació en Gavrontsy, Ucrania. Conocida como Marie Bashkirtseff.

    Joven Leyendo

    Condesa Dina

    Camino Rural
    En el Estudio

    El Encuentro

    Señora X


    Anna Bilinska-Bohdanowiczowa (1857-1893)
    Pintora académica, nació en Zlotopole, Ucrania.
    Autorretrato

    Dama con Parasol

    En la Playa

    Avenida en Berlín
    Dama con Sombrero

    Autorretrato 2
    Yulia Biriukova (1895-1972)
    Pintora canadiense de retratos modernistas en el siglo 20.

    Lillian Evers
    Retrato Masculino

    Joanna Boyce (1831-1861)
    Nació en Londres, Inglaterra. Pintora de retratos mágicos estilo prerrafelista. Estudió en la academia de un prestigioso pintor y profesor francés de esa época Thomas Couture.
    Lamentablemente las obras más importantes de la magnífica Joanna Mary Wells Boyce, se destruyeron por efecto de los bombardeos al territorio inglés, durante la segunda guerra mundial.
    Ave de Dios
    Elgiva

    Señora Eaton

    Gretchen
    Sidney Wells

    Isla Wight
    Catherine Madox Brown (Hueffer) 1850 -1927.
    Nació en Inglaterra. Desde pequeña mostró dotes de artista, lo que fué cultivado por su padre, maestro de la pintura británica Ford Madox que utilizaba el estilo de la escuela prerrafaelista, cuyos seguidores querían rescatar la pureza de la pintura medieval itálica, previa al reinado de la escuela de Rafael Sanzio. Entre los maestros de Cathy Madox Brown también estuvo el célebre pintor Dante Gabriel Rossetti, con quien guardaba una estrecha amistad familiar. Sus trabajos fueron realizados mayormente utilizando colores al agua.
    Su hermana Lucy también destacó en la pintura inglesa.
    Elsie Martindale
    Ford Madox Brown
    En la Opera
    Lilla Cabot Perry (1848–1933)
    Pintora impresionista norteamericana y poetiza, nació en Boston.
    Su especialidad es la ejecución de retratos femeninos al óleo. En Francia recibió la influecia del pintor Claude Monet. Impulsó el desarrollo del impresionismo en Estados Unidos, estilo en el cual alcanzó la maestría.

    Alicia de Blanco
    Margarita

    Renée


    Sombrero Verde
    Dama con Violetas
    Edith
    Rosalba Giovanna Carriera (1675-1757)
    Nació en Venecia, Italia. Pintora de retratos en estilo Rococó, escuela posterior al movimiento Barroco. Carriera popularizó el uso de pintura al pastel. Con esa técnica retrató a un sinnúmero de clientes acaudalados. Sus obras presentan una caracterización que realza a los personajes y al mismo tiempo exhibe suavidad debido a la gran sutileza con que reproduce los detalles. La pintura al pastel se ejecuta con tizas de consistencia pastosa caracterizadas por la palidez de su coloración.
    América
    Autorretrato
    Flora

    Primavera

    Madonna

    Ninfa

    Antonio Watteau

    Señora Mayor

    Niña de Familia Leblond



    Mary Stevenson Cassatt (1844-1926)
    Nació en Allegheny City, Pensilvania, Estados Unidos. Pintora de estilo impresionista dedicada a los retratos. Viajó a Europa y estudió en Francia junto a los maestros más destacados de esa época.
    Sus primeros trabajos guardan la influencia de su amigo Manet y posteriormente, llevan el sello del maestro Degas. Esto no significa que la Cassatt carezca de originalidad. Al contrario, ya madura, crea un impresionismo refinado, de ejecución magnífica donde sus personjes se presentan vívidos y frescos.
    Si bien la técnica impresionista clásica tiene una apariencia más bien áspera, Mary Cassatt la hace evolucionar y consigue aplicar la suavidad que proviene de su naturaleza femenina. Sumado a esto es mágica cuando reproduce el entorno, llegando este a gozar de una importancia similar al personaje principal.
    Berta con su Hija
    Niña en Sillón Azul
    Desayuno en Cama

    Rincón en la Platea
    El Juguete
    La Caricia
    Torero

    Dos Hermanas

    Francisca mirando abajo

    Tamara de Lempicka, (María Gorsca) 1898-1980
    Nació en Varsovia, Polonia. Pintora de retratos al óleo en estilo Art Deco, del que fué la mejor exponente. Su primer maestro: el artista francés Maurice Denis (ver). Más adelante fué alumna del arquitecto y pintor cubista André Lohte (ver).
    Casada en su primer matrimonio con Tadeusz de Lempicki, de donde proviene su seudónimo, desarrolló un estilo muy personal permitiendo definir con claridad la pintura Art Deco caracterizada por utilizar la mínima cantidad de colores posibles, cosa que aplana las figuras pero les incorpora una perspectiva evolucionada, sello del arte decorativo moderno.
    Si comparamos el estilo postimpresionista, de su época, con el Cubismo o el Art Deco, la diferencia básica radica en la forma de definir las figuras. El primero utiliza sólo colores para este propósito y los dos últimos líneas en el contorno. En 1929 viaja a Estados Unidos logrando fama y posición entre los artistas neoyorquinos.
    En 1938 se radica en suelo norteamericano. © dr.croxwell 2005-09.
    Dama en Azul
    Madre Superiora
    Bella Rafaela
    Amatista
    Príncipe Eristoff

    Lydia Field Emmet (1866-1952)
    Pintora norteamericana, nació en New Rochelle, Nueva York. Discípula de William Merrit Chase, reconocido académico impresionista americano. En Europa fue alumna de otros pintores famosos como el gran perfeccionista neoclásico francés Adolphe Bouguereau.

    En el Jardín
    Ginny y Polly

    Hermanas



    Autorretrato

    Retrato de Muchacha

    Harriet White e Hijos

    Lavinia Fontana (1552-1614)
    Nació en Boloña, Italia. Pintora de retrato de personajes y cuadros para iglesia en estilo Barroco. Hija de un pintor bien reconocido en esa época, Lavinia recibió desde pequeña la instrucción de su padre. Al mismo tiempo frecuentaba el círculo de pintores más afamados, cosa que le permitió desarrollar con seguridad los dotes de artista. Sus trabajos más requeridos consistían en retratar a damas de la alta sociedad de su ciudad.
    Fontana fué reconocida en toda Italia. Emigró a Roma donde fue contratada por Clemente VIII quién la designó como artista oficial, durante un período de su papado. © dr.croxwell 2005-09.
    Giovanna Tornabuoni
    Mujer Noble

    San Francisco Paola Bendice

    Minerva
    Sagrada Familia

    Cristo se aparece a Magdalena


    Artemisia Gentileschi (1593-1652)
    Nació en Roma, Italia. Pintora del Barroco, artista femenina precoz de gran importancia a principios de la era moderna europea, dedicada a los retratos, obras bíblicas y alegorías.
    En esa época la mujer era discriminada del arte por sus pares varones, pero el hecho de ser hija de un pintor (Orazio Gentileschi), le permitió conocer a El Caravaggio, de quien adoptó el estilo claroscuro.
    A sus 20 años contrae matrimonio y va a vivir a Florencia donde con la ayuda de su mecenas (familia Medicis), logra alcanzar una buena posición dentro del círculo de pintores.
    También realizó trabajos en Génova y Venecia donde conoció al gran maestro belga Anthony van Dyck.
    Gentileschi fue invitada a trabajar por 3 años en la corte del rey Carlos I de Inglaterra, lugar que permaneció hasta la muerte del monarca.
    ©dr.croxwell 2005-09.

    María en Penitencia

    Betsabé en el Baño
    Judit mata a Holofernes


    Susana y los Viejos
    Cleopatra

    Alegoría de la Pintura
    Anne-Louis Girodet Roussy-Trioson (1767-1824)
    Pintora francesa de estilo neoclásico romántico, nació en Montargis. Fue discípula de Jacques-Louis David, pionero e impulsor del movimiento romanticista europeo.
    Mujer artista de talento imcomparable con inspiración renacentista, maestra del retrato, pintura histórica y alegorías mitológicas, destacó ampliamente respecto a otras artistas de su generación.
    Exhibe coloración pristina y una técnica perfeccionista depurada. Estas características sumadas a su vasto número de obras donde demuestra el dominio de varios estilos, proporcionan a Girodet un reconocimiento especial en la historia del arte pictórico francés. ©dr.croxwell 2005-09.
    Agnes Trioson
    Entierro de Atala

    Hortensia de Beauharnais

    Hombre Joven

    Danae

    Retrato de Mujer



    Eva Gonzales (1849-1883)
    Nació en Paris, Francia. Pintora de retratos estilo impresionismo. Hija de un escritor español naturalizado francés, estudió con Manet, que en la misma época era profesor de Berthe Morisot. Esta amistad con Manet, quien pintó un retrato de Eva (ver), le permitió una relación cercana con los impresionistas clásicos como Pissarro y Monet. De todos ellos mostró influencia en sus obras.
    Más adelante Gonzáles logró configurar un estilo personal donde abandona el colorido intenso y comienza la utilización de pasteles.
    ©dr.croxwell 2005-09.
    Dama de Blanco
    Residencia Italianos
    Paseo en Burro

    Granja en Rebais

    La Sombrerera

    En el Tocador

    Té por la Tarde

    Despertar de Mañana

    Juana hermana de Eva
    Magdalena Frida Kahlo (1910-1954)
    Nació en Coyoacán, México. Pintora americana de género surrealista.
    Autorretrato

    Diego Rivera

    Eva Frederick

    Dos Fridas

    Autorretrato 2

    Rosita Morillo
    Frutos de la Tierra
    Vi Agua

    Columna Quebrada
    Elisabeth Louise Vigée-Le Brun (1755-1842)
    Pintora romántica neoclásica, nació en París, Francia. A los 12 años recibió clases de dibujo. Sin embargo esta artista es considerada como autodidacta. Contemporanea de pre-impresionistas como Lefèvre, Ingres, Corot y Delacroix, Vigée le Brun pinta en forma profesional desde los 16 años. A los 23 retrató a María Antonieta en Versalles.
    Visita los países bajos donde toma contacto con la pintura holandesa de Rembrandt, cosa que le inspira para seguir su búsqueda por alcanzar un estilo propio.
    Admitida en la Academia Francesa, Vigée le Brun pintó el retrato de personajes de la nobleza por 5 años.
    En 1789 visita algunas ciudades italianas como Florencia y posteriormente se radica en Roma. Su trabajo es reconocido por los italianos y es incorporada a la Academia Romana.
    Luego se desplaza hasta Rusia donde es admitida en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, lugar en el cual continua sus trabajos por 6 años. Luego, en 1803 pinta en Londres por dos años.

    Durante su carrera de 70 años, Vigée le Brun es reconocida en toda Europa como gran artista. Su obra es extensa y de gran calidad, cosa que la situa hasta hoy, entre las mejores del mundo en la pintura de retratos. Sus personajes son pintados a manera muy propia. Su estilo realista neoclásico incorpora, de forma singular, el Flamenco, el manierismo y el romanticismo. ©dr.croxwell 2005-09.

    Reina María Antonieta

    Autorretrato
    Jovencito
    Princesa Caterina
    Anna Galitzin
    Principe Henry
    Mujer Joven

    Noble Ruso

    Madame Francesa
    Judith Leyster (1609-1660)
    Nació en Haarlem, Holanda. Pintora del período Barroco.
    Autorretrato
    Serenata
    El Flautista

    Joven con Jarra

    Proposición

    Niños con Mascotas

    Berthe Morisot (1841-1895)
    Pintora estilo impresionista, nació en Bourges, Francia.
    Colgando el Lavado
    Madre y Hermana
    Muchacha en la Ventana
    El Espejo de Vestir
    Julie con Violín
    Alice Gamby

    Vestido de Atardecer

    Campo de Trigo

    Dama en el Tocador
    Emma Sandys (1834-1877)
    Pintora inglesa de estilo prerrafaelista.

    Dama a la Moda
    Viola
    Elaine
    La Guirnalda
    Ana y Agnes
    Preparación del Juego
    Elisabetta Sirani (1638-1665)
    Pintora italiana del período Barroco, nació en Bolonia.
    Virgen y Niño
    Beatriz Cenci

    Autorretrato

    Autorretrato 2

    La Pulga

    Alegoría de la Música
    Marie Spartali Stillman (1843-1927)
    Pintora de origen griego. Nació en Londres, Inglaterra.
    Cuadros victorianos, estilo prerrafaelista.

    Autorretrato
    Dante en Verona
    Mariana

    Larga Caminata
    Lily la Florentina

    Alimentando Palomas

    Tipos de pintores

    Tipos de pintores

    Tipos de pintores
    Dos maneras de pintar la manera valorista y a la colorista
    Pintar como un valorista significa sentir preocupación por el volumen, por los efectos de luz y sombra por el modelado en pocas palabras: representar la tercera dimensión. El volumen se logra por medio del claroscuro, en el estricto sentido de la palabra es decir, la sucesiva. Degradación de los colores hacia tonos más claros o más oscuros. Las luces se expresan aclarando el color y las sombras se oscureciéndolas. Los distintos valores se distribuyen sobre la superficie pictórica tanto para seguir el volumen del objeto como para obtener la sensación de profundidad en el espacio.
    Pintar como un colorista significa tener la convención de que el color puede expresarlo todo, sin necesidad de recurrir al volumen y al modelado. La valoración se realiza por medio del color es decir las sombras y las luces se expresan atreves de colores saturados. Los coloristas explican las formas con colores planos sin sombras, razonando que el color por si mismo diversifica, separa y explica las formas de los cuerpos .Este tipo de artista generalmente elige la iluminación frontal del modelo los cuerpos con amplias zonas de color .

    Conoce más de pintura (texto 1)

    Conoce más de pintura (texto 1)
    Cuando uno contempla una pintura, lo primero que debe distinguir es la organización y la relación que establece entre las distintas formas o elementos. El factor compositivo dota a la obra de coherencia y constituye un peligro para todo artista que no lo tenga en consideración.
    Las relaciones armónicas por lo general se pueden calificar en tres tipos bien diferenciados, la gama de colores, cálidos, los colores fríos y la de colores quebrados.
    El volumen se logra por medio del claroscuro, en el estricto sentido de la palabra es decir, la sucesiva. Degradación de los colores hacia tonos más claros o más oscuros. Las luces se expresan aclarando el color y las sombras se oscureciéndolas. Los distintos valores se distribuyen sobre la superficie pictórica tanto para seguir el volumen del objeto como para obtener la sensación de profundidad en el espacio.
    O si hablamos de un cuadro colorista. La valoración se realiza por medio del color es decir las sombras y las luces se expresan atreves de colores saturados. Los coloristas explican las formas con colores planos sin sombras, razonando que el color por si mismo diversifica, separa y explica las formas de los cuerpos.
    En esta sección iras conociendo más de pintura
    Escrito por Elena Candelas.

    luces y sombras (Primera clase)

    luces y sombras (Primera clase)

    LUCES Y SOMBRAS

    La característica primordial que dota a un dibujo de vida es la inclusión adecuada de las luces y de las sombras
    La línea detalla y expresa sólo los contornos, la forma, el volumen, el espacio o la idea de la tercera dimensión, de igual manera en la realidad y en sus representaciones gráficas en una obra artística, tiene su fundamento en la luz y en la sombra y con cuyo empleo podremos dotar a nuestro sencillo dibujo o a nuestra pintura de la representación espacial, sólida y con visos de realidad.
    Las sombras son la consecuencia de la luz y tanto las sombras que del propio objeto en si ( sombras propias) como la sombra directa que el objeto produce ( sombras arrojadas) como las sombras próximas o lejanas proyectadas por otros objetos y los reflejos de luz que al mismo tiempo producen esos objetos afectan de forma directa a la concepción espacial de nuestro trabajo
    La sombra (click para ver imagen) en resumen no es otra cosa que la porción del cuerpo que siendo iluminado no recibe de forma directa la luz, por encontrarse esa parte del cuerpo en oposición al foco luminoso.
    El claroscuro estudia la degradación y difusión de la luz con las sombras y corresponde a las áreas intermedias entre la zona iluminada y las zonas mas oscuras, son las zonas que denominamos zonas de penumbra y sus valores de medios tonos o medias tintas y cuyos valores nunca deben alcanzar la intensidad de la luz ni la intensidad de la sombra
    Al margen de dibujar o pintar las zonas de luz y de sombra de un objeto debemos considerar el brillo que ese objeto emite ante la incidencia de un foco de luz. ese brillo lo podemos representar de forma grafica considerando que la luz es reflejada por el objeto rebotando la luz que desprende en un ángulo igual al que ha incido contra él.
    La luz reflejada es la procedente de otro cuerpo u objeto próximo y que produce una nueva fuente de luz de menor intensidad, pero que a su vez produce nuevos reflejos y nuevas sombras sobre el objeto que estamos dibujando o pintando, esa luz reflejada nunca puede ser tan clara como la fuente de luz original.
    Se consideran adecuados en los dibujos y en las pinturas unas inclinaciones de entre los 30º y los 60º dependiendo de la posición del sol pero es de uso común aceptar como adecuada una sombra en 45º para la representación gráfica sobre una hoja de papel de un objeto de características más o menos geométricas.
    La mayor dificultad en un dibujo o en una pintura la podemos encontrar cuando queremos representar a las personas o a los objetos estando estos situados con el Sol detrás, pero pese a ser la resolución más complicada, al hacer converger todos los puntos de luz y sombra sobre un sólo punto es la que produce un mayor dramatismo plástico sobre todo en la representación de pinturas surrealistas en donde el juego de luces y sombras deben poder transmitir un mensaje
    Luces y sombras a tus Dibujos sobre papel a todas horas debes poner y si te queda tiempo más dibujos con Luces y sombras debes hacer: A eso se le llama hacer muñeca para desarrollar el lado positivista del cerebro
    Para tener una concepción objetiva de la obra que deseamos ejecutar debemos considerar que al reflejarse la luz en los objetos en diferentes formas y en distintas cantidades ( en las que intervienen tanto las texturas como las calidades físicas de esos objetos) es fundamental la relación entre la luz y la forma que modela los espacios haciendo visible al espectador sobre un solo plano la concepción de la forma en sus tres dimensiones.
    Se deben realizar numerosas pruebas tanto con luz natural como con luz artificial para poder valorar el impacto de las diferentes fuentes de luz sobre una persona o sobre un objeto, pues al margen del juego de luces y sombras interviene un nuevo factor que es la distancia y el ángulo real de la fuente de luz sobre los objetos y las personas que intervienen en ese dibujo o en esa pinturas
    Se debe probar también la representación de sombras sobre objetos situados a distinto plano de la base de nuestro objeto como pueden ser unas escaleras para valorar la deformación que sufren las sombras.
    Es fundamental haber realizado pruebas con focos de luz y tener un conocimiento profundo de como actúa la luz sobre los objetos que queremos representar y tener un conocimiento del comportamiento de los objetos y de las personas ante las leyes físicas que actúan sobre los cuerpos y que hacen que estos se manifiesten de forma real ante nuestros ojos
    LA LÍNEA
    EL PLANO
    EL VOLUMEN
    PERSPECTIVA
    EL DISEÑOLA PERSPECTIVA

    La característica que distingue muchos trabajos artísticos radica en la representación grafica que hagamos de la perspectiva, para comenzar el correcto trazado de cualquier dibujo es preciso determinar el ángulo que forman entre si los ejes y el triangulo trazado para servir de escala de reducción o ampliación de los objetos según se encuentren estos más próximos o más alejados de nuestro campo de visión.
    Para tener una percepción real de la perspectiva en una pintura o en un dibujo, de forma práctica o de forma técnica debemos partir del principio de mantener la misma escala ( se debe realizar el mismo numero de divisiones partiendo desde el punto de fuga) en todos los ejes que hemos trazado antes de iniciar el dibujo.
    La perspectiva Isométrica: produce una impresión de mayor tamaño, en ella no utilizamos coeficientes de reducción del punto de fuga, se produce cuando cortamos el plano del dibujo en tres ejes que hacen formar tres triángulos iguales sobre la superficie del dibujo
    La perspectiva Dimétrica es aquella en la que partimos como punto de referencia de dos triángulos iguales y uno desigual (cortando el dibujo en tres planos)
    La perspectiva Trimétrica, es aquella en la que cortamos el plano sobre el que vamos a realizar el dibujo en tres ejes trazados a distintas distancias sobre el punto de fuga o sobre el punto de origen, formamos en éste caso tres triángulos todos desiguales
    La perspectiva Caballera: es un caso particular en la representación técnica de los dibujos se dice que es una perspectiva caballera cuando se refiere a la proyección axonométrica (ver figura axonométrica) que se produce cuando el plano del que partimos es paralelo a uno de los planos de los tres ejes que hemos trazado cuando el eje de la altura y de la anchura forman un ángulo recto y se colocan uno en vertical y otro en horizontal " forman una cruz "
    La practica en la configuración del boceto sólo nos hace trazar unas cuantas líneas un poco fuera de tecnicismos. Un punto de partida o punto de fuga y una línea que nos dé la referencia de que cuanto más lejano se encuentre un objeto más pequeño será visto por el espectador. La resolución del primer plano hará el resto.
    LA LÍNEA:.
    EL PLANO:.
    EL VOLUMEN:
    LUCES | SOMBRAS | CLAROSCURO:
    EL DISEÑO:
    LA PERSPECTIVA

    La característica que distingue muchos trabajos artísticos radica en la representación grafica que hagamos de la perspectiva, para comenzar el correcto trazado de cualquier dibujo es preciso determinar el ángulo que forman entre si los ejes y el triangulo trazado para servir de escala de reducción o ampliación de los objetos según se encuentren estos más próximos o más alejados de nuestro campo de visión.
    Para tener una percepción real de la perspectiva en una pintura o en un dibujo, de forma práctica o de forma técnica debemos partir del principio de mantener la misma escala ( se debe realizar el mismo numero de divisiones partiendo desde el punto de fuga) en todos los ejes que hemos trazado antes de iniciar el dibujo.
    La perspectiva Isométrica: produce una impresión de mayor tamaño, en ella no utilizamos coeficientes de reducción del punto de fuga, se produce cuando cortamos el plano del dibujo en tres ejes que hacen formar tres triángulos iguales sobre la superficie del dibujo
    La perspectiva Dimétrica es aquella en la que partimos como punto de referencia de dos triángulos iguales y uno desigual (cortando el dibujo en tres planos)
    La perspectiva Trimétrica, es aquella en la que cortamos el plano sobre el que vamos a realizar el dibujo en tres ejes trazados a distintas distancias sobre el punto de fuga o sobre el punto de origen, formamos en éste caso tres triángulos todos desiguales
    La perspectiva Caballera: es un caso particular en la representación técnica de los dibujos se dice que es una perspectiva caballera cuando se refiere a la proyección axonométrica (ver figura axonométrica) que se produce cuando el plano del que partimos es paralelo a uno de los planos de los tres ejes que hemos trazado cuando el eje de la altura y de la anchura forman un ángulo recto y se colocan uno en vertical y otro en horizontal " forman una cruz "
    La practica en la configuración del boceto sólo nos hace trazar unas cuantas líneas un poco fuera de tecnicismos. Un punto de partida o punto de fuga y una línea que nos dé la referencia de que cuanto más lejano se encuentre un objeto más pequeño será visto por el espectador. La resolución del primer plano hará el resto.
    LA LÍNEA:.
    EL PLANO:.
    EL VOLUMEN:
    LUCES | SOMBRAS | CLAROSCURO:
    EL DISEÑO:
    COLORES

    Al realizar una composición sobre una superficie plana se deben tener en consideración tanta los características expresivas de determinadas formas y los colores de esas formas, pues ambas cosas son de especial importancia para conseguir el equilibrio de una obra y dado que esas características permiten aumentar o disminuir la atención de los objetos en relación a un centro de interés VER EJEMPLO el tamaño es influyente, las formas sencillas, simétricas y regulares se perciben con mayor facilidad, los rasgos diferentes a los de su alrededor atraen rápidamente la atención, de igual forma que el color y la sensación de vacío o de forma radial llevan la atención al centro del que parte o en en el que confluyen
    EL COLOR: puede ser estudiado desde diferentes puntos de vista, como materia artística desde el punto de vista de la física y el de los efectos psicológicos que produce en el espectador es necesario tener un concepto global de lo que es el color para valorar el impacto de las obras que presentamos y como serán valoradas. Por ello es fundamental realizar un estudio previo y concienzudo del mensaje que deseamos transmitir y tener un conocimiento importante del concepto del color en las pinturas, debemos pues dotarnos de los conocimientos tanto: Artísticos, Conocimientos Físicos y conocimientos Psicológicos, todos los colores proceden de una fuente de luz, por lo tanto el color ésta sujeto a las mismas leyes Físicas que la propia fuente de luz
    COLORES PRIMARIOS tres son los considerados colores primarios o fundamentales: Amarillo, Azul y Rojo con la base de esos tres colores podemos formar la infinidad de colores que podemos contemplar .
    COLORES SECUNDARIOS: Son los colores formados por la mezcla de dos colores primarios, a estos colores se les denomina también Binarios, la unión de colores primarios y colores secundarios dan la formación de la llamada estrella de color.
    COLORES TERCIARIOS: Son los formados por la mezcla de un color primario con un color secundario y son los que conforman la tercera línea de la estrella de color
    COLORES COMPLEMENTARIOS: dos colores son complementarios cuando al actuar simultáneamente y en proporciones adecuadas, sobre el ojo del espectador producen la sensación de luz blanca, se les llama por antonomasia colores complementarios a los colores binarios o secundarios. se define también como color complementario al color que no entra en la combinación de dos colores primarios: (azul + amarillo = verde) en ésta mezcla el color complementario es el color amarillo
    VALORACIÓN DEL COLOR: En pintura siempre hablamos del color como la representación plástica por medio de pigmentos, tintas o medios similares y distinguiendo siempre la diferencia entre radiaciones de color (procedentes de un rayo de luz) y sensaciones de color (la percepción de esos colores en un objeto) los colores en un trabajo artístico tienen por ello tres percepciones que se deben estudiar: el "Tono", el "Tinte" y el "Matiz".
    CUALIDADES DEL COLOR: los estudios psicológicos de la influencia del color sobre las personas, demuestran que el color no es sólo y exclusivamente una cuestión de estética, sino que esos colores nos dan la herramienta necesaria para provocar sensaciones o sentimientos en el espectador y cuyo conocimiento es importantísimo en función de los resultados que queramos obtener con la muestra de nuestro trabajo
    COLORES FRÍOS: los colores fríos o llamados también colores de sombra son las coloraciones de verdes, Azules y Violetas. Las características psicológicas de estos colores son las de tranquilizantes, suaves e inertes, sensaciones de pasividad, consiguen provocar la sensación de de alejamiento, de distancia y de profundidad, en tonos aclarados producen la sensación de paz descanso o de soledad, si por el contrario son de tonalidades obscuras producen la sensación de de tristeza, misterio o melancolía... Así el color azul, en sus diferentes tonos y matices sugiere la imagen de la inmensidad del mar, o la paz y la calma de las cumbres del horizonte en los trabajos de paisajes, o la tristeza y misterio del azul profundo del espacio sideral VER EJEMPLO
    COLORES CÁLIDOS: Psicológicamente proporcionan sensaciones y efectos estimulantes, como puede ser la Luz, el Sol o el fuego, se consideran colores cálidos, los rojos y los amarillos. Sugieren movimiento, vitalidad, fuerza, alegría. Los tonos claros sugieren amabilidad, ambientes agradables y acogedores, Los tonos oscuros, con predominio del rojo, proporcionan sensaciones de riqueza, poder, majestuosidad. Sugieren primeros planos, es decir: proximidad de las cosas o de las personas, son evidentemente activos y de influencias positivistas
    COMBINACIÓN DE LOS COLORES: Los problemas de las combinaciones de los colores son muy similares a los de las composiciones, se debe observar la variedad dentro de la unidad, es decir: se debe crear una unidad de las tonalidades y evitar en lo posible la monotonía por medio de la variedad. No existen reglas concretas que permitan a una persona mediante su estudio entrar en posesión de las sensibilidades de la armonía ya que en todo caso, las composiciones cromáticas es un proceso subjetivo e individual en cada persona VER EJEMPLO
    PARA QUE EXISTA EL COLOR, DEBE EXISTIR LA LUZ: Isaac Newton hizo pasar un rayo de luz blanca (luz Solar) a través de un prisma, a la salida de la luz del prisma , la luz blanca se disociaba en varios rayos de luz de distinto color, posteriormente invirtió el desagrupamiento de esos haces de luz coloreados por medio de un segundo prisma, la luz en este caso se reagrupo en un nuevo haz de luz blanca. Se evidencia que la luz es la unidad y que el color es sólo una parte de ella.
    La misma ley física la podemos contemplar cuando vemos en el cielo un arco iris, fenómeno que se produce normalmente después de la lluvia y como consecuencia de que pequeñas e innumerables gotas de agua suspendidas en el aire hacen el efecto de prisma y que al igual que el prisma del experimento descomponen la luz del Sol en los distintos rayos coloreados. - A ésta descomposición del rayo solar se le llama Espectro Solar -
    Estos rayos coloreados inciden en los objetos y son absorbidos en mayor o menor medida y reflejados en igual forma, admitiendo que la luz es la fuente primaria del color y sabiendo que la luz en física produce una vibración, los objetos se presentarán ante nuestros ojos con los rayos coloreados que esos objetos reflejen, si observamos una hoja, ella recibe los rayos de luz y de todos los elementos coloreados que lo componen, la hoja los absorbe todos excepto el color verde, que es el que nosotros podemos observar. El color por lo tanto es una sensación producida por uno o varios elementos que integran el rayo de luz que podemos observar gracias al reflejo de esa luz sobre la retina de nuestros ojos

    ARTE RUPESTRE

    ARTE RUPESTRE

    Pintura rupestre
    En 1879 don Marcelino S. de Santuola, dio a conocer las pinturas de la cueva de Altamira (Santillana de Mar, Santander). El descubrimiento fue importantísimo. Demostraba que el hombre prehistórico había realizado obras de arte, hasta entonces desconocidas, en el interior de las cavernas. Pasado un tiempo, en 1907, Juan Cabré publicó unas pinturas de ciervos (halladas en la Roca dels Moros de Calapatá, Teruel) de un estilo diferente al de la cueva de Altamira: se había descubierto otro estilo de arte rupestre: el levantino.
    Posteriormente se han realizado numerosos hallazgos y los investigadores han podido conocer mejor el arte rupestre y determinar, para la Península Ibérica, tres estilos principales: el Arte Paleolítico, el Arte Levantino y el Arte Esquemático.
    Pero las pinturas y grabados sobre las paredes de las cuevas y abrigos no fueron la única expresión artística de la Prehistoria. También se realizó pintura sobre cantos rodados, escultura, cerámicas decoradas, objetos ornamentales
    Para más información ir a ...
    Puedes visitar todas las pinturas rupestres de la cornisa cantábrica
    gracias a las explicaciones que los profesores de la Universidad de
    Cantabria ha puesto en http://www.unican.es/arte/prehist/Default.htm.
    Arte Paleolítico
    Datado entre 40.000 y 10.000 a. C.
    Es el arte propio de cavernas profundas, de galerías recónditas sumidas en la oscuridad más absoluta. Son representaciones naturalistas y bastante estáticas. Usan diferentes colores (negros, rojos, ocres) y se rellena toda la figura, no sólo se dibuja el contorno. Nunca se representa la figura humana. Se suelen representar animales: bisontes europeos, caballos salvajes, ciervos, renos, cabras montesas, toros, jabalíes, rinocerontes, osos... que aparecen aislados a o en grupo. También se representan signos abstractos y manos. Éstas se pintan de dos maneras, en positivo presionando la mano manchada en pigmento, o en negativo, coloreándose la zona que rodea la mano y dejando la forma de ésta libre de pintura al retirarla. Todavía no sabemos el significado y finalidad de los signos abstractos y de las manos.

    Arte Paleolítico
    Datado entre 6.000 y 4.000 a. C.
    En algunas zonas puede empezar en el 8000 a.C. Se da en abrigos o covachos de escasa profundidad en los que la luz del sol penetra sin dificultad. La fauna representada se corresponde con especies actuales: cérvidos, cápridos, bóvidos, que se aparecen solos o en manadas. Estos animales se dibujan de perfil pero con los cuernos y las pezuñas de frente: es lo que llamamos "perspectiva torcida". La figura humana, escasa en el Arte Paleolítico, adquiere gran importancia, con frecuencia es el tema principal, cuando aparece en la misma escena que los animales, es la figura humana la que los domina. Hay escenas de caza, de danzas, de luchas, de trabajo agrícola, de domesticación de animales, de recoleccion de miel, de ejecución de hombres... Todo con gran movimiento.
    Encontramos pinturas prehistóricas de Arte levantino las actuales provincias de Huesca (zona del prepirineo), Lérida, sur de Tarragona, Teruel, este de Cuenca, Valencia, Murcia, Alicante, Albacete, y aparecen figuras aisladas en algunos abrigos de Andalucía.
    Ejemplos: Cogull, Valltorta
    Mapa de distribución del arte rupestre levantino

    BELTRÁN A.: El arte rupestre en la provincia de Teruel, col. Cartillas turolenses 5, Teruel, 1989, p. 7.

    Arte Levantino
    Datado entre 4000 y 1000 a. C. (finales de la Edad de Bronce).
    En unas zonas parece que tiene un origen propio, totalmente desligado del arte Levantino, pero en otras parece ser una evolución del naturalismo levantino, a través de una progresiva simplificación de sus diseños.
    Las figuras son muy sintéticas, tanto que buena parte de ellas resultan inidentificables. La simplificación y el esquematismo no hay que entenderlos como una pérdida de capacidad pictórica, sino como una mayor capacidad de simplificación, un paso hacia la abstracción. Es en la temática donde las diferencias con el Arte Levantino son más notables. Aparecen figuras humanas (incluso con arcos) y de animales cuadrúpedos, pero muy simplificadas. En algunas pinturas de grupos humanos hay composiciones escénicas. Pero lo más típico son signos abstractos: digitaciones, puntiformes, ramiformes... casi desconocidos en el Arte Levantino. Priman la esencia y el dinamismo.
    Pilar Rivero (Universidad de Zaragoza) Proyecto Clío